あれこ れこーど

音楽・趣味を中心の雑記

スピッツのロビンソンで心の何かを締め付けられた

もう発売から20年以上経つんですね。

私がロビンソンを初めて聴いたのは中学生の超多感な時期でした。

 

 

伸びやかで中性的な美しい声、透き通った音色、切ないメロディ、懐かしさ、優しさ、そして非現実感と危うさ、脆さ。

 

わずか13〜4歳の少年にとっては、それはもはや劇物でした。

 

ギターを手に取ってからはハードな音楽に傾注したため、あまりスピッツを聴くことはなくなりましたが、ふと、ひさしぶりにYouTubeで見つけたので視聴。

 

それなりに酸いも甘いも知って聴くスピッツは、いっそう魅力的で、とりわけ昔は気にならなかった、危うさと脆さの部分が際立って感じました。

 

スピッツの魅力とは何か?

当時はうまく表現できなかったのですが、ハッと気づきました。

 

彼らの音楽は文学的なんだな、と。

 

 

ついでに、たまたま見つけたカバーで、いいなと思ったものを貼っておきます。

 

UNCHAIN / ロビンソン

一時期流行ったバンアパ系ですね(失礼)

このバンドにもハマっていた時期がありました。

高い演奏力と16ビートのおしゃれでクールなギターカッティングが印象的なバンドです。

ハイトーンな声とグルーヴィな16ビートの彼らの演奏は、確かにスピッツと相性がいいかもしれません。

いやぁカッコイイ。

でもまさか、ロビンソンのコピーをしていたなんて。

 

 


ロビンソン/ゴスペラーズ

アカペラも流行りましたね。

流行りすぎて辟易していたこともありましたが、改めて聴くとこれは素晴らしいです。

さすがゴスペラーズ、うまい。

ゴスペラーズといえば、歌唱力や美しいコーラスワークばかりに気が向いていましたが、今聴くとベースの絡みつくようなグルーヴ・推進力はホントに気持ちいいですね。

 

ところでいいカバーとは 

これは色々あるかと思いますが、本質はカバーするアーティストの世界観を壊さず、自分たちのオリジナリティも表現できている、と言うことに尽きると思います。

ものすごいセンスと個性が必要で、おいそれとできることではありませんが、上記の2グループはまさに、だと思います。

 

演奏がうまいだけでは、「なんか違う」んですよね。

 

 


スピッツ / ロビンソン

 

最後に本家のPVも。

これを白黒にしたセンスには脱帽です。

もやがかった演出とあいまって、夢のような非現実感が見事に表現されていますね。

 

エンジニア的なことをいえば、ボーカルにかかったリバーヴ(残響です)が秀逸。

このリバーヴでお酒が飲めますね笑

演奏も安定感があり、本当に美しいです。

唯一無二、おそらく世界中の誰にも真似のできない世界観に、ただただ圧倒されます。

 

おわりに

タイトルに「心の何かを締め付けられた」と書きましたが、この感覚は大人になってからは出会えていません。

この劇物に耐性ができてしまったのか、純粋さを失ってしまったからか。

 

...ああそうか。今気づきました。

 

あれは初恋だったのです。

 

楽器をやるとモテるのか?論を終結させましょう

結論から言うと、モテます!

 

それはもうモテモテになります。

なので、モテ目当てで楽器を始めようか迷っている諸君は、ぜひとも始めましょう!

 

ただし、注意することがひとつだけあります。それは、

 

ただ単に楽器を始めただけではモテない、ということです。

 

がっかりしましたか?

そりゃそうでしょう。何かを始めたからといって、すぐに人気者になれる物なんてありません。あればみんなやっているし、みんなやっていることではモテないんです。

 

では私は、何を根拠にモテると断じるのか?

 

それは楽器を使った、モテの戦略があるのです。

 

1. 楽器にフルコミットしない

 

楽器はあくまでスパイスなんです。

楽器云々以前に、仕事・勉強・スポーツができるか?話をしていて楽しいか?気配りができるか?清潔感はあるか?そもそもキモくないか...。

 

それらが及第点で、はじめて楽器が余技・教養となりうるんです。

上記をクリアしていさえすれば、今流行りの曲のイントロをチョロっと弾くだけで、かなり印象がよくなるはずです。(そのチョロっとだけはメチャクチャ練習しましょう)

まあ、そんな人は楽器をやらなくてもモテると思いますが。

 

2. 楽器にフルコミットする

どっちだよ(怒)とツッコミが来そうですね。

前者が合わない人はこちらの戦略で行きましょう。そしてモテたい下心で楽器を始める人はこちら側でしょうけど...。

 

つまるところ、ノープラン・中途半端がいちばんいけません。

前者はモテの及第点以上の人が短期的に結果を出せる戦略であるのに対し、こちらは長期的なスパンでモテを目指す戦略です。

 

楽器を継続して練習し、あいつは演奏ウマイと言われるようになる人がどれだけいるしょう。

楽器に限りませんが、ひとつのことに一心不乱に取り組み、その分野で一目置かれる存在になれば、そりゃあモテますよね。

そういう人には独特の雰囲気や、その技術・知識を身につける過程で得た知見・哲学が宿ります。

徹底的にやっちゃいましょう。

 

とはいえ、仕事・勉強・運動はちゃんとやりましょうね。

 

補足

モテないのは「楽器を始めたからモテるだろう」と思ってしまう短絡的思考、楽して成果を得ようとする怠け者マインドが原因です。

そういった手合いは、すぐに見抜かれます。

 

さあ、楽器を上手に利用して、あなたもモテを目指してください。

 

 

 

 

気分が落ち込みやすいひとの簡単な対処法

私は気分が落ち込みやすいタイプです。

 

気分が落ち込んでしまうと、仕事に影響が出たり、楽器の練習に身が入らず、かと言って休むわけにもいかず、苦しいですよね。

 

落ち込みやすさでは誰にも負けない自負はありますが、どうやら気分が落ち込むのには、2パターンあるような気がしてきました。

 

それは、

1. 「直接の原因」があって落ち込むパターン

仕事のミス、叱責などが原因。

 

2. 「直接の原因がなく」落ち込むパターン

ふとしたときに、不安などが襲ってくる。 

 

私は2のパターンが圧倒的に多いです。 

思い返して見ると、私は1のパターンではあまり落ち込まないんですよね。

 

「いやいや、落ち込むのには原因があるよ。悩みが噴出したり、不安が堂々巡りになったり...。」とお思いかもしれません。

 

ですが、よくよく自分を観察してみると、

気分が落ち込んでから、悩みや不安が湧き出してくる。その後でその悩みや不安が、落ち込んだ原因である、と後付けしているんです。

 

直接の原因が無いのに、気分が落ち込んでしまうのは、慢性的なストレスや不安で神経が緊張しているからです。

そうなると、身体の反応で気分は落ち込みやすく、落ち込んだ原因を、自分の抱えている悩みなどに結び付けてしまうのです。

 

つまり対処法としては、メンタルを強くして耐性を作るのではなく、身体へのアプローチで落ち込みを防げはいいのです。

気分が落ち込みさえしなければ、悩みや不安で堂々巡りになるということは起こりにくいです。

 

生真面目な人は、根性やメンタルへのアプローチで何とか対処しようとするから、苦労するんですよね。

そしてさらに落ち込む悪循環...。

 

私のおすすめは手のツボ押し

これはスゴイですよ、ツボを押して数分で、すぐに効果が出ます!

 

ツボの場所は写真の2ヶ所です。

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ツボを押して痛いときは、体のどこかが不調を抱えている、とはよく聞きますよね。

私はこの2ヶ所がとても痛いです笑

 

押さえ方は、痛気持ちいい強さで1分程度、じっくりと。

もみほぐすのもいいかと思います。片手だけでも、両手でも効果があります。

鼻から息を吸ってゆっくり口から吐きながら、リラックスした状態でやってください。

呼吸も重要ですよ!

 

どうでしょう。頭や視界がスッキリとして、気分の落ち込みも緩和されませんか?

 

手には神経が集中しています。ツボを押すとその神経が刺激され、滞りが緩和、脳の血流が改善されるんです。体は全て繋がっているんですね。

 

気分が落ち込みそうになったとき、すぐに・数分で・お金をかけずに(!)できます。

ぜひ試してみてください。

 

 

 

 

ライブ・コンサートの集客 苦手意識の克服法

集客。

苦手な人って多いですよね。まあ、得意な人なんてあまりいないでしょうけど。

 

私も多分にもれず、集客は超苦手だったのですが、最近、あまり苦手意識がなくなってきました。まだまだ得意とまではいきませんが。

いい機会なので、なぜ集客に苦手意識を感じるか、なぜ最近は苦手意識がなくなってきたのかを考えてみました。

 

手軽にお客さんを増やすノウハウではないのであしからず。

 

集客が苦手な理由

これは簡単ですね。

  • 自分や自分のやっていることに自信がない
  • 拒否されるのが怖い
  • 人にお金や時間を使わせることを申し訳なく思う

他にもあるかな?でもまあ、だいたいこんなところじゃないでしょうか。

 

こういう思考をする人、謙虚で繊細なんだなぁ、と少し好意的に思っていたこともありました。

でもこれって、自分のことばかり考えていて、お客さんに楽しんでもらうという気持ちが少し足りていないような気がするんです。

 

集客に苦手意識がなくなった理由

答えは出ていますね。

「絶対に楽しい時間にするから来てください」って言って誘っているんです。

 

「そんなこと、とても言えない」

「表面上はそう言えばいいのか」

 

もしあなたがそう思ったのだとしたら、ライブやコンサートに人を呼ぶ資格はありません。

だってそうでしょう?人様にお金と時間を使わせるんですから。付き合いで来てくれる人がかわいそうです。

 

人を誘うからには、いい音楽を・素晴らしい仲間と・必死で練習して・お客さんを絶対に楽しませる!くらいの気持ちでいきましょう。

そうすると熱意や、なんか楽しそうだな、という感じが伝わるものです。

 

お客を「数字」として見るのは最悪で、誘われたほうもそれを感じ取ってしまいます。

このマインドでは集客=ノルマ・仕事になってしまうので、誘うほうも苦痛ですよね。

 

結局は普段の人付き合い 

さて、集客が苦手な人からすると、だいぶ理想論的なことを書いてしまいました。

が、集客の上手な人やバンドは「楽しいから来てよ!」って感じじゃないでしょうか? 

 

このリア充マインドって、持って生まれた資質や、あるいは虚勢なんじゃないか、と昔は思っていましたが、最近は「そうでもないんじゃないか?」と考えるようになりました。

音楽に向き合う姿勢と、どれだけ周りの人たちに誠意を持って接しているか。

これに自信が持てるなら、きっと集客に苦手意識はなくなるのではないでしょうか?

 

 

 

 

耳は消耗品だから大切にしましょう

もっとも人間の体じたいが消耗品なので、「耳も消耗品」が正しいタイトルでしょう。

 

長時間・長期間大音量で音楽を聴いていると、聴力に障害が出てしまうことは有名です。

 

私は子供の頃に中耳炎などを患ったため、一般よりも鼓膜が弱いようです。

ライブハウスで大音量の音楽を聴いたりすると、2、3日ほど耳に違和感が残ってしまうため、ロックバンドの演奏などは、とても最前列には行く気が起きません。

 

大音量でイヤホンから音楽を聴いている人。シャカシャカうるさいなぁと思う反面、丈夫な鼓膜を羨ましく思い、そして将来の難聴を勝手に心配してしまいます。

 

ところで先日、聴力測定をしました。

加齢とともに超高域の音が聞こえにくくなる、というのがあり、有名なモスキート音などは20代で聞こえなくなるようです。

私もエンジニアの端くれ、普段から耳は鍛えているし、きっとモスキート音も聞こえるに違いない、いっちょやってやろうと意気込んではみたものの、あっけなく撃沈。

「年相応です(30代)」と言われました。

ガックリ_| ̄|○

しかも左右で聞こえ方に違いがあるようで、左耳は少し低音が聞き取れていないとのこと。

 

さて、子供の頃には聞こえていた周波数が聞こえなくなる、ということをどう感じますか?

 

「歳を取ったなぁ」くらいでしょうか。

日常生活にはまったく支障がないので、そんなものですよね。私もそのくらいにしか思っていませんでした。

 

ですが、ふと「あれ、それって世界の鮮度を感じ取れなくなっているんじゃないか?」と思いました。

聴力だけではありません。視力などもそうです。私たちは五感で世界を感じ取っています。

それが気づかないうちに、じわじわと明瞭さを失っていくのです。

 

もう子供の頃の感覚を取り戻すことはできませんが、きっとものすごい情報量なのではないでしょうか?

エンジニア風に言うなら、高ビット高サンプリングレートの世界です。

 

歳を取ると時間の流れが早く感じるのは、処理する情報が減るから、というのもあるかもしれませんね。

 

音楽を立体的に聴きましょう

みなさんは音楽をどのように聴いているでしょうか?

  • 印象的なイントロや、歌をメインに他の楽器はボンヤリと
  • 楽器をメインに、各楽器がどんな音作りをしているか
  • グルーヴィな音楽でノリを楽しみたい

 

などなどいろいろな楽しみかたがあると思います。

 

優れたミュージシャンは、音楽を立体的に聴いています。

「立体的」という言いかたは、私が説明をしやすいように使っているので一般的ではありませんが、順に説明をしたいと思います。

立体的に聴けるようになると、音楽はますます楽しくなりますよ!

もちろんミュージシャンとしての深みも出てきます。

 

リズム

音楽の三大要素って聞いたことがあるでしょうか?

人間はリズム・メロディ・ハーモニーの三つが揃うと音楽として認識するんですね。

まずはひとつめの要素、リズムを見ていきましょう。

 

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ふたつ以上の音が鳴るとリズムとして認識されます。音楽的に聞こえるリズムというのは、ある程度一定の規則を持って、というのがポイントでしょう。

揺れの少ない、精確なリズムであると「タイト」などと評したりします。

機械のように精確であればいい、というわけではないのがリズムの面白いところで、揺れがあるからこそ、人間は心地よさや高揚感を感じます。

 

演奏者にはそのリズムにも個性があります。スピード感があったり、逆にズシッと重かったり、、、。この個性の違いを味わえるようになると楽しいですよ。

 

メロディとハーモニー

残りふたつの要素です。

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 先ほどの図に縦軸の「音程」を加えると、、

 

このような図になります

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これが楽譜です。

平面に音楽の三大要素を2Dで説明してしまう楽譜というものは、ホントによくできていますね。

メロディやハーモニーについては 音楽理論になってしまい、ここには到底書ききれないので、割愛いたします。

 

奥行き

三大要素を駆け足で説明しました。が、これだけでは横と縦の平面的なものでしかありません。

この二次元だけでも音楽は非常にエキサイティングなのですが、せっかくですから余すことなく味わいたいものです。

もうひとつの要素を付け加えたいと思います。

それは「奥行き」です。

 

音楽には奥行きがあります。

コンサートやライブを見ると、ボーカルがいちばん前に立ち、次にギターやベース、奥にドラム。当然ですが立ち位置は横一列ではありません。

また、音は楽器から出て私たちに届く「直接音」と、壁などに跳ね返ってから届く「間接音」があり、その両方を聴いています。

歌にうっすらとかかっているエコーなどは、音の反射を擬似的に作り出したもので、これも間接音です。

エコーが大きく長いと、広いホールで演奏しているように聞こえますし、その逆であればライブハウスの最前列など、比較的近くで演奏しているように聞こえます。

音楽によっては部屋で演奏しているような音づくりをしているものもありますね。

 

図はバンドの主要楽器の帯域や音の広がりです。

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ミュージシャン・エンジニアはこのように、音の広がりや奥行きなどの空間も意識して音楽を作り、それが音楽の立体感となっているのです。

まったくもって平面的ではありませんよね。

 

誰しも無意識には感じている音楽の立体感の正体を説明してみました。

ぜひ意識して聴いてみてください。音楽は本当に味わい深いものです。

 

 

 

楽器の弦交換、メンテナンスの及ぼす作用

楽器の弦交換(ドラムならヘッドの交換)、めんどくさいですよね。

 

音や演奏性に関わる部分なので、いつも仕方なく、それはもう嫌々交換するのですが、ふと今日、これまで感じたことのない感覚に襲われました。

 

古い弦を外してしっかりと楽器を拭き、新しい弦を丁寧に張る。そしてキレイになった楽器を眺める。

 

なんと気持ちがいいことか。

 

この感覚は部屋を掃除したときや、墓参りをしたときの清々しさと同じ種類のものです。

私は部屋が多少散らかっていても気にしないタイプで、楽器の汚れに対しても割と無頓着でした。でもこれは果たして無視していいことなのか。

 

演奏するたびに楽器の汚れが目に入るのは、無意識のレベルで演奏の質を下げるのではないでしょうか。

風水的にも良くないでしょうし、演奏家としての徳や運気までも下げてしまいそうです。

少なくとも何かが向上することはありません。

 

さらには感謝の念まで湧いてきました。

楽器をずっと続けていられるというのは、かなり恵まれていると年々思うようになりました。そして今日、「楽器は消耗品、音が出ればOK」という感覚から、一緒に音楽を演奏するパートナーという感覚にはっきりとシフトしました。

 

野球のイチロー選手は道具を大切にすることで有名です。試合や練習後のバットやグローブの手入れは欠かさないと聞きます。

 

その理由が本当の意味で腑に落ちました。